Este texto fue redactado durante unos talleres de escritura impartidos por el escritor Mathieu Simonet en el centro penitenciario de Nantes, en noviembre de 2025. Se invitó a un grupo de reclusos a seleccionar obras de la colección permanente del Museo de Arte de Nantes y a inspirarse en ellas para redactar 20 carteles que se exponen en las salas. Esta exposición, dedicada al tema de las nubes en la pintura, podrá visitarse hasta el 29 de marzo de 2026, fecha del próximo Día Internacional de las Nubes.
Este proyecto ha sido llevado a cabo por el departamento cultural de la Ligue de l’Enseignement des Pays de la Loire y el Servicio de Públicos del Museo de Arte de Nantes, en el marco de la exposición Sous la pluie, Peindre, vivre et rêver (Bajo la lluvia, pintar, vivir y soñar) ( 7 de noviembre de 2025 -1 de marzo de 2026).
Este proyecto forma parte de la programación cultural del SPIP (Servicio de Intervención Penitenciaria) de Loira Atlántico, en colaboración con el Centro Penitenciario de Nantes.
Este proyecto cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura (Dirección Regional de Asuntos Culturales de los Países del Loira) y del Ministerio de Justicia (Dirección Interregional de Servicios Penitenciarios de Bretaña, Normandía y Países del Loira/SPIP Loira Atlántico), en el marco del convenio regional Cultura/Justicia.
Programa interministerial Cultura-Justicia
Orazio Gentileschi, Diana cazadora, sigloXVII
Sala 2: Orazio GENTILESCHI
Pisa, 1563 – Londres, 1639
Diana, la cazadora
Antes de 1631 Óleo sobre lienzo Encargado en 1630 por Roger du Plessis de Liancourt, duque de La Roche-Guyon.
Este cuadro representa a Diana, diosa de la caza y la naturaleza salvaje. Divinidad crepuscular, se la asocia con la luna, al igual que a su hermano gemelo Apolo se le asocia con el sol. Aquí se la reconoce por sus atributos tradicionales: la luna creciente sobre su cabeza, el cuerno, el arco y el carcaj, así como su galgo, al que lleva atado con una correa. La línea del horizonte, muy baja, acentúa su grandeza. En movimiento, de espaldas, pero ligeramente girada hacia el espectador, sopla con fuerza en su cuerno. Una amplia túnica verde revolotea elegantemente a su alrededor y dinamiza la composición.
En esta marina, Simon de Vlieger representa una escena de naufragio: unos barcos pesqueros son sorprendidos por una tormenta cuando intentan regresar a la costa. Bajo un cielo cubierto de grandes nubes oscuras, las embarcaciones se doblan ante las olas del mar embravecido. Como evocación alegórica, la tormenta simboliza también las pruebas que surgen en la vida.
Maestro en la representación de batallas marítimas, De Vlieger también destaca por sus pinturas de mares tranquilos, salpicados de barcos navegando entre las olas. La superficie agitada del agua es propicia para los juegos de luz gris plateada de gran delicadeza. Alumno del pintor flamenco Adam Willaerts, el artista está influenciado por sus tormentas, al tiempo que se inspira en la evolución del arte paisajístico holandés delsiglo XVII .
Colección Fournier, adquisición, 1814 . Inv. 561.
Simon Vouet, San Eustaquio y su familia llevados al cielo, conocida como La apoteosis de San Eustaquio y su familia, hacia 1634-1637.
Sala 6: Simon VOUET
París, 1590 – París, 1649
La apoteosis de San Eustaquio y su familia
Hacia 1635 Óleo sobre lienzo
El cuadro adornaba antiguamente la parte superior del altar mayor de la iglesia de Saint-Eustache en París. La parte inferior, que representa el martirio del santo, aún se conserva en el mismo lugar.
Según La leyenda dorada de Jacques de Voragine, San Eustaquio, general de Trajano convertido al cristianismo, es condenado a morir quemado en la hoguera junto con toda su familia. La elección de representar el martirio y la apoteosis refleja el clima de la Contrarreforma, propicio para exaltar el espíritu de sacrificio y dramatizar y heroizar la expresión de la fe. La composición, muy dinámica (juegos de miradas, gestos, drapeados ondulantes), lleva la mirada a un vuelo celestial al estilo de las grandes composiciones barrocas italianas.
Tras una larga estancia en Italia, Simon Vouet fue llamado de vuelta a Francia en 1627 por Luis XIII. El artista introdujo un estilo hasta entonces desconocido en Francia y renovó profundamente la pintura.
Envío del estado, 1809 . Inv. D.809.1.1.P
Charles Coypel, El sueño de Renaud, 1741.
Sala 7: « » (El rey de los reyes), Charles COYPEL
París, 1694 – París, 1752
El sueño de Renaud
Hacia 1741 Óleo sobre lienzo
En el centro del cuadro, la maga Armida se dispone a apuñalar a Renaud, a quien ha sumido en un profundo sueño. Pero al descubrir los rasgos del caballero, se enamora de él. Esta escena representa el momento preciso en el que los sentimientos de Armida pasan de la venganza al amor. Se inspira en el poema La Jerusalén liberada, escrito por Le Tasse en el sigloXVI. Esta historia de amor con el trasfondo de las cruzadas medievales se convirtió en 1696 en una tragedia lírica de Philippe Quinault, con música de Jean-Baptiste Lully, los maestros de la ópera bajo Luis XIV. El éxito de esta obra se prolongó hasta la primera mitad del sigloXVIII y Coypel eligió varios episodios para un encargo real de tapices. Este cuadro de gran tamaño sirvió de modelo para uno de ellos. Coypel, pintor y autor de obras de teatro, establece aquí fuertes vínculos entre ambos géneros artísticos.
Depósito del Museo del Louvre, 1982 . Inv. D.872.1.2.P
Giovanni Paolo PANNINI, Predicación de una sibila, sigloXVIII
Sala 8: Giovanni Paolo PANNINI
Plaisance, 1691- Roma, 1765
Predicación de una sibila
18e siècle Huile sur toile
En un decorado en ruinas, la sibila de Tibur (hoy Tivoli), profetisa y sacerdotisa de Apolo, ofrece una adivinación a los soldados. Pannini hace numerosas referencias a la Antigüedad: el jarrón Medici, un pequeño templo redondo al fondo que evoca el de la sibila en Tivoli, una gigantesca columnata que recuerda al Foro Romano. Más allá del simple placer pintoresco, el contraste entre la grandeza de las ruinas y el tamaño de los seres humanos invita a reflexionar sobre el inexorable poder del tiempo, que acaba con las empresas más grandiosas, como el Imperio romano.
Pannini es famoso por sus vistas de la Roma del sigloXVIII y quizás aún más por sus caprichos arquitectónicos, en los que se mezclan ruinas reales e imaginarias.
Adquisición, 1841 . Inv. 115.
Jean-François SABLET, Vista de la campiña romana desde la vía Apia, también conocida como «Vista de Tivoli», ¿1803-1804?
Sala 8: Jean-François SABLET
Morges, 1735 – Nantes, 1819
Vista de la campiña romana desde la vía Apiatambién conocida como «Vista de Tivoli»
¿1803-1804? ¿ ? Óleo sobre lienzo.
Este gran paisaje, realizado varios años después de la estancia de Jean-François Sablet en Roma, ofrece una descripción fiel de la vía Apia a los pies de Ariccia. Si bien el pintor rechaza los efectos escénicos del paisaje ideal clásico, no duda en poblar esta hermosa tarde con personajes pintorescos, como los pastores vestidos con trajes tradicionales con sus ovejas.
Hijo de Jacob Sablet, pintor y marchante de cuadros, Jean-François Sablet fue también alumno del pintor Joseph-Marie Vien, precursor del neoclasicismo. Formado principalmente en París y tras una breve estancia en Roma después de la Revolución, el artista se instaló definitivamente en Nantes en 1805. Es conocido sobre todo por sus retratos de la burguesía local y de sus amigos artistas y coleccionistas.
Donación de Mme de La Vauguyon (hermana del artista), 1841 . Inv. 709.
Félix THOMAS, Orillas del Tíber, hacia 1864
Sala 10: Félix THOMAS
Nantes, 1815 – Nantes, 1875
Orillas del Tíber
hacia 1864 Óleo sobre lienzo
Este bucólico paisaje representa probablemente el alto valle del Tíber, en el centro de Italia. A los pies de las montañas se extienden campos dedicados al pastoreo. En primer plano, un pescador se dispone a lanzar su red al río.
Félix Thomas es arquitecto, pintor y grabador. En 1845 obtiene el Gran Premio de Roma de Arquitectura, lo que le permite residir en Italia y viajar a Constantinopla, Atenas y Esmirna. A partir de 1855, expone paisajes en el Salón con cierto éxito.
Envío del Estado Salón de 1864 . Inv. 1194.
Edouard DEBAT-PONSAN, Rincón de viñedos, Languedoc, 1886
Sala 14: « » (La vida de un artista), Edouard DEBAT-PONSAN
Toulouse, 1847 – París, 1913
Rincón de viñedos, Languedoc
1886 Óleo sobre lienzo
Édouard Debat-Ponsan se inspira en sus estancias en su Languedoc natal para numerosas representaciones de la vida en el campo. El camino en diagonal, la línea oblicua del horizonte, los tonos fríos y la posición de los personajes en el espacio dan a la escena una verdadera amplitud. La atención prestada a la veracidad de cada detalle inscribe la obra en la tradición naturalista, siguiendo la estela del realismo de Courbet.
Formado en el taller de Alexandre Cabanel, Debat-Ponsan expuso en el Salón de Artistas Franceses a partir de 1873, obteniendo premios y honores. En 1898, tomó partido por el capitán Dreyfus, injustamente acusado de traición. Esta postura política le llevó a romper totalmente con su familia y su clientela. Se refugió entonces en Touraine, donde siguió pintando retratos y paisajes, alejado de las nuevas tendencias pictóricas.
Depósito del Centro Nacional de Artes Plásticas, 1886 . Inv. 919.
Hugo-Frédérick SALMSON, La Petite Glaneuse(La pequeña recolectora), 1884
Sala 14: Hugo-Frédérick SALMSON
Estocolmo, 1843 – Lund, 1894
La pequeña recolectora
1884 Óleo sobre lienzo
Sentada en medio de un campo con un ramo de espigas de trigo a su lado, la pequeña espigadora parece cansada, con la mirada perdida. La postura abatida de la joven, con los hombros caídos y las piernas ligeramente cruzadas, refuerza esa sensación de agotamiento. La línea del horizonte, particularmente alta, permite al artista jugar con la inmensidad del campo segado, recordando así la dificultad de su tarea. El realismo del retrato —la ropa de trabajo gastada, las botas sucias— y el tema inscriben esta obra en la tendencia naturalista que se desarrolla a mediados del sigloXIX.
Tras estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Estocolmo, Hugo-Frédérick Salmson se instala en París, donde desarrolla con éxito toda su carrera. A partir de 1877, se orienta hacia la representación de la vida rural. En 1879, el Estado le compra un cuadro para el Museo de Luxemburgo, entonces muy cerrado a los artistas extranjeros.
Adquirido al artista en el Salón, 1886 . Inv. 1168.
ANÓNIMO, Retrato de Théophile y Félicité Fernig, sigloXIX.
Sala 15: ANÓNIMO
Retrato de Théophile y Félicité Fernig
SigloXIX Óleo sobre lienzo
Nacidas en 1770 y 1775 cerca de Valenciennes, Félicité y Théophile Fernig tienen todo lo que las heroínas románticas del sigloXIX se complacían en glorificar. Como dos amazonas, si creemos a Lamartine, las jóvenes hermanas Fernig se alistaron en 1792 en la Guardia Nacional. Vestidas con ropa masculina y desafiando la autoridad paterna, se opusieron a los soldados austriacos que amenazaban entonces a la nueva sociedad francesa. Sin duda inventada, la narración posrevolucionaria las presenta como combatientes enamoradas de la Ilustración y la libertad. El artista, cuyo nombre se desconoce, las representa, al igual que a los oficiales, erguidas frente al horizonte, vestidas como ciudadanos, con mirada segura. La mano de una apoyada en el hombro de la otra es el símbolo de sus lazos inquebrantables, la unión de sangre y convicciones.
Depósito del Museo de Bellas Artes de Valenciennes, 2022 . Inv. D.2022.1.11.P
Joan MITCHELL, No Daisies [Sin margaritas], 1980
Sala 15: « » (El mundo de la pintura), Joan MITCHELL
Chicago (Estados Unidos), 1925 – París, 1992
No Daisies [Sin margaritas]
1980 Óleo sobre lienzo
«A menudo pinto por la noche, pero no tengo nada que ver con la noche. Me gusta la luz», escribía Joan Mitchell. No Daisies, cuyo título evoca un poema sombrío, bien podría ser un paisaje en un momento incierto, cuando sobre un cielo azul cobalto se recortan, como a contraluz, las grandes rayas negras de la vegetación. ¿Amanecer o atardecer? ¿Esperanza o desesperación? En comparación con las grandes pinturas de batallas y desastres de guerra, esta pintura remite, de forma metafórica, a las zonas oscuras de la historia. Las margaritas que se cierran por la noche adquieren así la fuerza del signo, del presagio.
En 1979, Mitchell acaba de separarse de su compañero, el pintor Jean-Paul Riopelle, que dividía su vida entre Francia y Quebec. La pintura líquida, lanzada rápidamente sobre el lienzo, deshace los puntos de referencia y se impone como una impresión, una sensación o una emoción.
Depósito del Museo Nacional de Arte Moderno/Centro de Creación Industrial, Centro Pompidou, 1996 Inv. AM 1995-170
Pierre BOYER, Le soir: Bosque de Paimpont, hacia 1905.
Sala 16: Pierre BOYER
París, 1805 – Ben Aiech (Túnez), 1933
Por la noche: Bosque de Paimpont
Hacia 1905 Óleo sobre cartón
Este paisaje de tonos rojizos representa el bosque de Paimpont al atardecer. Situado al suroeste de Rennes, a menudo se identifica con el mítico bosque de Brocelianda. Conocido por estar encantado, este lugar está íntimamente ligado a la leyenda artúrica. Se cree que el bosque alberga gran parte de la fauna sobrenatural bretona, como hadas y korrigans.
Pierre Boyer, su autor, tras formarse con el pintor Alfred Roll, viaja por toda Europa y vive un tiempo en Bretaña, donde pinta paisajes con regularidad. Tras la Primera Guerra Mundial, se instala en Túnez, donde funda en 1923 el Centro de Enseñanza de Arte de Túnez.
Adquisición, 1906 . Inv. 830.
Marie Guillaume Charles LE ROUX, Orillas del Loira en primavera, en momento de pleamar, efecto de tormenta, 1857
Sala 17: Marie Guillaume Charles LE ROUX
Nantes, 1814 – Nantes, 1895
Orillas del Loira en primavera, en momento de pleamar, efecto de tormenta
1857 Óleo sobre lienzo
Representado desde la superficie del agua, este paisaje se organiza en torno a unos cuantos barcos dispuestos en medio del lago. Los árboles, que enmarcan el río, contrarrestan la fuerte horizontalidad de las líneas compositivas. El lugar predominante que ocupa el cielo tormentoso dramatiza la escena.
Paisajista, procedente de una familia acomodada, Marie-Guillaume-Charles Le Roux tuvo todo el tiempo libre para dedicarse a su vocación. Alumno de Corot, cercano a la Escuela de Barbizon, se especializó en las vistas de la campiña de Nantes.
Adquirido al artista en el Salón de 1857 . Inv. 1077.
Sala 17: « » (La luz de la noche), Pierre SOULAGES
Rodez, 1919
Pintura 92 x 73 cm, 13 de junio de 1950
1950 Óleo sobre lienzo
Esta obra es testimonio de las investigaciones de Pierre Soulages sobre el negro y el claroscuro. El conjunto sombrío del cuadro se ve iluminado por algunos toques más claros que parecen irradiar desde el fondo del lienzo. La composición está equilibrada, en el centro, por la repetición de líneas horizontales. Numerosas líneas negras se apoyan en ellas para proyectarse más allá de los límites de la obra. Esta disposición recuerda el apego del artista a la estructura de los árboles.
La vocación artística de Soulages se confirmó cuando era estudiante de secundaria en Rodez, durante una visita a la abadía de Sainte-Foy de Conques. Pero fue después de la guerra cuando se dedicó por completo a la pintura abstracta. En 1951, se unió a la galería Louis Carré, que entonces representaba a los artistas del arte abstracto gestual. Gildas Fardel compró allí el cuadro en 1951, antes de donarlo al museo siete años más tarde.
Don Gildas Fardel, 1958 . Inv. 958.7.6.P
Ludwig CYLKOW, La bahía de Audierne al atardecer, 1920
Sala 18: Ludwig CYLKOW
Varsovia (Polonia), 1880 – París, 1940
La bahía de Audierne por la noche
1920 Óleo sobre lienzo
El día llega a su fin. En el horizonte, el cielo y el mar se funden. Las inmensas nubes se reflejan en la arena barrida por las olas. Solo un punto de luz brilla en la lejanía. «El cielo, al igual que el agua, es el elemento simbólico que refleja nuestro estado de ánimo, toda nuestra vida íntima; ¿no es acaso el espejo de lo más secreto e indefinible que ocurre en nuestro interior?», se pregunta Ludwig Cylkow. El lienzo presenta tonos azules y grises, casi monocromáticos, «una armonía magistral de fuerzas, colores y sonidos», añade.
Tras estudiar en la Academia de Cracovia, Cylkow se instaló en París. Primero estudió en la Academia Julian. Hacia 1905, se estableció en Saint-Jean-du-Doigt, en Finisterre, donde pintó el mar embravecido, las puestas de sol y las salidas de luna sobre las aguas. El Museo de Arte de Nantes fue la primera institución pública en adquirir una de sus obras.
Adquirido al artista, 1920 . Inv. 1975.
Camille PISSARRO, Camino ascendente hacia Osny (Val d'Oise), 1883
Sala 19: « » (El jardín de los pinos), Camille PISSARRO
Camille Pissarro pinta aquí una escena de la vida cotidiana. Este paisaje rural, atravesado por una sinuosa carretera bordeada por una aldea, es en realidad una vista del pueblo en el que reside desde hace un año. Un hombre y una mujer se disponen a cruzarse en el centro del camino, que parece una larga cinta rosa. A ambos lados, las cabañas observadas a contraluz se resumen en unas pocas masas con sombras malvas. La paleta cromática distingue el registro celeste, dominado por tonos fríos, grises y azulados, del registro terrestre, realzado por tonos verdes vivos y primaverales.
El año 1883 es decisivo en la carrera del artista: mientras la galería Durand-Ruel le dedica una exposición individual, él intenta diferenciarse de las técnicas impresionistas mediante una simplificación de las formas.
Depósito del Museo de Bellas Artes de Valenciennes, 2022 . Inv. D.2022.1.21.P
Émile BERNARD, Desnudos en un paisaje, 1890
Sala 19: « » (El sol de la libertad), Émile BERNARD
Lille, 1868 – París, 1941
Desnudos en un paisaje
1890 Óleo sobre lienzo
En primer plano, dos mujeres desnudas, una sentada y otra tumbada en la hierba, descansan frente a una pradera verde animada por tres grandes árboles. En el centro, dos siluetas vestidas con largos abrigos se reducen a lo esencial. En la década de 1880, Émile Bernard desarrolló junto con Paul Gauguin una nueva estética bautizada como «sintetismo», influenciada por Paul Cézanne y sus paisajes de líneas geométricas. Si bien las figuras evanescentes y sin rostro que pueblan el lienzo responden a las preocupaciones sintéticas del artista, la construcción simplificada del paisaje, el tratamiento pictórico de los árboles con pequeños toques y la colocación de las figuras desnudas en primer plano recuerdan las obras de Cézanne.
Esta obra, realizada dos años después del encuentro entre Bernard y Gauguin, se inscribe plenamente en la continuidad de las producciones de la Escuela de Pont-Aven.
Depósito del Museo de Bellas Artes de Valenciennes, 2022 . Inv. D.2022.1.31.P
Albert MARQUET, El Sena en París, sin fecha
Sala 19: « » (El barco de vapor), Albert MARQUET
Burdeos, 1875 – París, 1947
El Sena en París
Sin fecha Óleo sobre lienzo
Desde su apartamento parisino, Albert Marquet contempla el Sena. En la serie de vistas sobre el río que comienza en 1905, el pintor mantiene siempre la misma composición: la diagonal marca el flujo de la corriente, al que responde el tráfico de automóviles, y la línea horizontal de los tejados marca el horizonte. A lo lejos se perfila la torre del 36 quai des Orfèvres, seguida de la silueta de la catedral de Notre-Dame. Marquet aprecia los días brumosos que envuelven los edificios en un gris algodonoso, difuminan los detalles y convierten la ciudad en un lugar fantasmal.
Marquet, asociado a los «fauvistas» desde el Salón de Otoño de 1905, prefiere una paleta realista con valores matizados en lugar de tonos violentos y contrastes exacerbados. Esta posición singular dentro del fauvismo se asemeja a la de su amigo Raoul Dufy, con quien se reunió en Le Havre en 1906 y con quien observaba la vida desde la ventana de su habitación de hotel o desde el balcón de un café.
Adquirido al artista, 1934 . Inv. 2156.
Marc CHAGALL, Obsesión, 1943
Sala 23: « » (El jardín de las delicias), Marc CHAGALL
Vitebsk, 1887 – Saint-Paul de Vence, 1985
Obsesión
1943 Óleo sobre lienzo
En un torbellino de rojos vivos, un Cristo verde, un candelabro, un durmiente y un carro tirado por un caballo azul se ordenan alrededor de una casa en llamas. En el fondo se ven soldados. Esta escena caótica está inspirada en hechos reales que tuvieron lugar en el pueblo natal del artista, Vitebsk, en Bielorrusia, durante la Segunda Guerra Mundial.
Instalado en París desde 1923, Marc Chagall huyó de Francia a los Estados Unidos entre 1941 y 1948.
Entonces realiza una serie de cuadros muy simbólicos en los que se evoca el sufrimiento del pueblo judío.
Marc Chagall reside por primera vez en París entre 1910 y 1914, donde conoce a los principales exponentes del cubismo. Durante los años siguientes trabaja en Rusia y consolida su estilo tan particular, en el que la imaginación ocupa un lugar preponderante. Tras la guerra mundial, su obra goza de reconocimiento internacional.
Donación, 1988 . Inv. AM 1988-76 . Depósito del Museo Nacional de Arte Moderno / Centro de Creación Industrial, Centro Pompidou, 1990 . Inv. D.990.1.1.P
Jesús Rafael SOTO, Sin título, 1971
Sala 25: Jesús Rafael SOTO
Ciudad Bolívar (Venezuela), 1923 – París, 2005
Sin título
1971 Óleo y tinta china sobre madera, varillas metálicas e hilos de nailon
¿Cuadro o escultura? Este relieve de madera, pintado de blanco, está atravesado en la parte inferior por una franja negra rayada con finas líneas blancas pintadas a mano con ayuda de una regla. En la parte delantera, suspendidos por hilos de nailon transparentes, unos alambres negros doblados dibujan líneas flexibles. Los movimientos aleatorios de estos alambres ocultan y revelan sucesivamente el fondo, creando así una perturbación óptica, una sensación de vibración. El espectador, con cada uno de sus movimientos, modifica esta obra que está en constante evolución.
Esta obra pertenece al arte cinético, del que el artista venezolano Jesús Soto es uno de los principales representantes. Es característica de la serie «Escrituras», que el pintor comenzó en 1958 y siguió explorando a lo largo de toda su vida en diferentes escalas.
