Obras imprescindibles

Orazio Gentileschi

Diana cazadora
Esta obra monumental es una de las pocas del artista conservadas en Francia. Por encargo de un embajador francés, Orazio Gentileschi rindió homenaje al Renacimiento francés con la elección de Diana, diosa cazadora, tema muy popular en la época. La torsión serpentina manierista del cuerpo es anatómicamente imposible de imitar. La representación en esmalte del verde veronés, realizado con un pigmento a base de cobre, y la laca roja del collar del perro demuestran la destreza técnica del pintor.

Georges de La Tour

Aparición del Ángel a San José también conocido como El sueño de San José
El Museo de Artes de Nantes es el segundo museo del mundo, después del Louvre, que alberga tantas obras de Georges de La Tour. La fuerza y la originalidad del artista residen en su capacidad para pintar un tema religioso como una escena cotidiana. En esta obra, el ángel está representado sin alas y San José sin aureola. La luz de una vela oculta tras el brazo del ángel encarna por sí sola el carácter sagrado del cuadro. La representación de La Tour es realista, casi fotográfica, e intemporal.

Jean-Auguste-Dominique Ingres

Retrato de Madame de Senonnes
Influido por sus largas estancias en Italia estudiando a los maestros del Renacimiento, Jean-Auguste Dominique Ingres dominó a la perfección el dibujo y el color. Su rasgo distintivo era la deformación del cuerpo, caracterizada por un juego de curvas. Tras el óvalo perfecto de su rostro y el brillo helado del terciopelo que la rodea, el retrato de Madame de Senonnes, plebeya convertida en vizcondesa, resume brillantemente el arte de Ingres como retratista. Desde su adquisición en 1853, este retrato no ha dejado de fascinar a artistas y escritores.

Gustave Courbet

Los cernidores de trigo
Criticado en vida pero admirado por Paul Cézanne, este artista autodidacta adoptó un estilo personal y rompió con la jerarquía de los géneros pintando escenas de la vida cotidiana y del mundo rural en grandes formatos. De este modo, elevó las escenas de género al nivel de la pintura de historia. En esta gran obra, que evoca la monotonía del trabajo, Gustave Courbet opta por encuadres audaces, figuras monumentales, posturas realistas y una paleta ocre.

Claude Monet

Los nenúfares de Giverny
Claude Monet conoció la pintura plein air de la mano de Eugène Boudin. Las pinceladas eran visibles y rápidas, los colores puros. Monet buscaba pintar los reflejos de la luz más que la forma. Esta elección suscitó numerosas críticas en los inicios del Impresionismo. Después de las series de pajares y de la catedral de Rouen, los nenúfares pintados en su jardín de Giverny se convierten en su tema favorito. Hasta el final de su vida, pintó casi 300 cuadros sobre este tema.

Vassily Kandinsky

Herunter [Abajo]
Vassily Kandinsky descubrió en Moscú una obra de la serie Les Meules de Claude Monet: fue una revelación: ¡iba a convertirse en pintor! A principios del ^siglo XX, abandonó la pintura figurativa por el arte abstracto. Sus investigaciones se centraron en las formas y la armonía de los colores. El museo cuenta con 13 obras del artista que datan del periodo en que Kandinsky enseñaba en la escuela Bauhaus de Alemania, de 1922 a 1933. Las formas geométricas y los colores de Herunter parecen vibrar en halos.

Sonia Delaunay

El desnudo amarillo
Próxima a las vanguardias europeas y rusas, Sonia Delaunay fue decididamente moderna. De la figuración a la abstracción, sus investigaciones sobre el color y la descomposición de la luz interactuaron con las de su marido Robert Delaunay. A principios del ^siglo XX, las pintoras retomaron el tema del desnudo femenino, hasta entonces reservado a los hombres. Se convirtió en un pretexto para experimentar con la modernidad. Los colores vivos y la elección del amarillo para el cuerpo femenino dieron al color un nuevo papel expresivo.

Anish Kapoor

Hermana
Anish Kapoor, artista visual contemporáneo con una prolífica producción creativa, surgió en la escena internacional en la década de 1990. Las dualidades de la tierra y el cielo, la materia y el espíritu, la luz y la oscuridad, lo visible y lo invisible, lo consciente y lo inconsciente, lo masculino y lo femenino, y el cuerpo y el alma son temas recurrentes en sus obras e instalaciones, a menudo monumentales. La obra combina monocromía y volumen, cuestionando las nociones de espacio, invitando al espectador a moverse y ofreciendo diversos puntos de vista.

Claude Viallat

Sin título
Cofundador del grupo Soportes/Superficies en 1969, Claude Viallat se liberó del formato tradicional del lienzo y el bastidor para centrar su atención en el soporte y el uso del color, que se convirtieron entonces en el objeto central y el tema
de la obra. Aquí, el lienzo militar sustituye al lienzo tradicional, mientras que la elección del motivo y su repetición crean un ritmo regular. El hecho de que no se haya elegido ningún título refleja el deseo de que la obra exista por sí misma, sin ningún intento de narración.

Las colecciones permanentes

Las colecciones del Museo de Artes de Nantes se han ido constituyendo a lo largo del tiempo, en particular mediante la adquisición de obras de artistas vivos. Compradas en el mercado del arte, donadas o legadas, las colecciones comprenden actualmente más de 14.000 obras repartidas en cuatro categorías: arte antiguo, arte del siglo XIX, arte moderno y arte contemporáneo.

Las colecciones del museo