Parcours nuages

Salle 2 :
Orazio GENTILESCHI

Pise, 1563 – Londres, 1639

Diane chasseresse

Avant 1631
Huile sur toile
Commandé en 1630 par Roger du Plessis de Liancourt, duc de La Roche-Guyon

Ce tableau représente Diane, déesse de la chasse et de la nature sauvage. Divinité crépusculaire, elle est associée à la lune, comme son frère jumeau Apollon l’est au soleil. Elle est ici reconnaissable grâce à ses attributs traditionnels : le croissant de lune au-dessus de sa tête, le cor, l’arc et le carquois, ainsi que son lévrier qu’elle tient en laisse. La ligne d’horizon très basse accentue sa grandeur. En mouvement, de dos, mais légèrement tournée vers le spectateur, elle souffle à pleines joues dans son cor. Une ample tunique verte voltige élégamment autour d’elle et dynamise la composition.

Achat, 1965
Inv. 965.1.1.P

Salle 2 :
Simon DE VLIEGER

Rotterdam (Pays-Bas), 1601 – Weesp (Pays-Bas), 1653

Marine

Sans date
Huile sur bois

Sur cette marine, Simon de Vlieger dépeint une scène de naufrage : des bateaux de pêche sont surpris par une tempête lorsqu’ils tentent de regagner la côte. Sous un ciel aux larges nuages sombres, les embarcations ploient face aux remous de la mer tumultueuse. Évocation allégorique, la tempête symbolise aussi les épreuves qui apparaissent dans la vie.

Maître dans la représentation de batailles maritimes, de Vlieger se distingue aussi grâce à ses peintures de simples mers, ponctuées de navires voguant au milieu des vagues. La surface agitée de l’eau est alors propice à des jeux de lumière gris argentés d’une grande finesse. Elève du peintre flamand Adam Willaerts, l’artiste est influencé par ses tempêtes, tout en s’inspirant de l’évolution de l’art du paysage hollandais au 17^e siècle.

Collection Fournier, achat, 1814
Inv. 561

Salle 6 :
Simon VOUET

Paris, 1590 – Paris, 1649

L’Apothéose de saint Eustache et de sa famille

Vers 1635
Huile sur toile

Le tableau ornait autrefois la partie supérieure du maître-autel de l’église Saint-Eustache à Paris. La partie inférieure représentant le martyre du saint est toujours conservée sur place.

D’après La légende dorée de Jacques de Voragine, saint Eustache, général de Trajan converti au christianisme, est condamné à être brûlé vif avec toute sa famille. Le choix de la représentation du martyre et de l’apothéose témoigne du climat de la Contre-Réforme, prompte à exalter l’esprit de sacrifice, à dramatiser et à héroïser l’expression de la foi. La composition très dynamique (jeux de regards, de gestes, de drapés voltigeants) entraîne le regard dans une envolée céleste à la manière des grandes compositions baroques italiennes.

Après un long séjour en Italie, Simon Vouet est rappelé en France en 1627 par Louis XIII. L’artiste rapporte un style jusqu’alors inconnu en France et renouvelle profondément la peinture.

Envoi de l’état, 1809
Inv. D.809.1.1.P

Salle 7 :
Charles COYPEL

Paris, 1694 – Paris, 1752

Le sommeil de Renaud

Vers 1741
Huile sur toile

Au centre du tableau, la magicienne Armide s’apprête à poignarder Renaud qu’elle a plongé dans un profond sommeil. Mais découvrant les traits du chevalier, elle en tombe amoureuse. Cette scène représente le moment précis où les sentiments d’Armide basculent de la vengeance vers l’amour. Elle s’inspire du poème La Jérusalem délivrée, écrit par Le Tasse au 16^e siècle. Cette histoire d’amour sur fond de croisade médiévale devient en 1696 une tragédie lyrique de Philippe Quinault, mise en musique par Jean-Baptiste Lully, les maîtres de l’opéra sous Louis XIV. Le succès de cet ouvrage se poursuit jusqu’à la première moitié du 18^e siècle et Coypel en choisit plusieurs épisodes pour une commande royale de tapisseries. Ce très grand tableau sert de modèle pour l’une d’elles. Coypel, à la fois peintre et auteur de pièces de théâtre, tisse ici des liens très forts entre les deux genres artistiques.

Dépôt du Musée du Louvre, 1982
Inv. D.872.1.2.P

Salle 8 :
Giovanni Paolo PANNINI

Plaisance, 1691- Rome, 1765

Prédication d’une sibylle

18^e siècle
Huile sur toile

Dans un décor de ruine, la sibylle de Tibur (aujourd’hui Tivoli), prophétesse et prêtresse d’Apollon, offre une divination à des soldats. Pannini fait de nombreuses références à l’Antiquité : vase Médicis, petit temple rond à l’arrière évoquant celui de la sibylle à Tivoli, colonnade gigantesque rappelant le Forum romain. Au-delà du simple plaisir pittoresque, le contraste entre la grandeur des ruines et la taille des humains offre une réflexion sur le pouvoir inexorable du temps qui vient à bout des entreprises les plus grandioses, comme l’Empire romain.

Pannini est célèbre pour ses vues de la Rome du 18^e siècle et peut-être plus encore pour ses caprices architecturaux, où se mêlent ruines réelles et imaginaires.

Achat, 1841
Inv. 115

Salle 8 :
Jean-François SABLET

Morges, 1735 – Nantes, 1819

Vue de la campagne romaine du côté de la voie Appienne dit aussi « Vue de Tivoli »

1803-1804 ?
Huile sur toile

Ce grand paysage, réalisé plusieurs années après le séjour de Jean-François Sablet à Rome, offre une description fidèle de la voie Appia au bas d’Ariccia. Si le peintre se refuse aux effets de mise en scène du paysage idéal classique, il n’hésite pas à peupler cette belle fin d’après-midi de personnages pittoresques, comme les bergers en costumes traditionnels avec leurs moutons.

Fils de Jacob Sablet, peintre et marchand de tableaux, Jean-François Sablet est également un des élèves du peintre Joseph-Marie Vien, précurseur du Néoclassicisme. Formé essentiellement à Paris et par un bref séjour à Rome après la Révolution, l’artiste s’installe définitivement à Nantes en 1805. Il est avant tout connu pour ses portraits de la bourgeoisie locale et de ses amis artistes et collectionneurs.

Don Mme de La Vauguyon (sœur de l’artiste), 1841
Inv. 709

Salle 10 :
Félix THOMAS

Nantes, 1815 – Nantes, 1875

Bords du Tibre

vers 1864
Huile sur toile

Ce paysage bucolique représente probablement la haute vallée du Tibre, en Italie centrale. Au pied des montagnes s’étendent des champs dédiés au pâturage. Au premier plan, un pêcheur s’apprête à jeter son filet dans le fleuve.

Félix Thomas est à la fois architecte, peintre et graveur. Il obtient le Grand Prix de Rome en architecture en 1845 – ce qui lui permet de séjourner en Italie et de voyager jusqu’à Constantinople, Athènes et Smyrne. À partir de 1855, il expose des paysages au Salon avec un certain succès.

Envoi de l’État
Salon de 1864
Inv. 1194

Salle 14 :
Edouard DEBAT-PONSAN

Toulouse, 1847 – Paris, 1913

Coin de vignes, Languedoc

1886
Huile sur toile

Édouard Debat-Ponsan s’inspire de séjours dans son Languedoc natal pour de nombreuses représentations de la vie aux champs. Le chemin en biais, la ligne oblique de l’horizon, les tonalités froides et la position des personnages dans l’espace donnent à la scène une véritable ampleur. L’attention accordée à la véracité de chaque détail inscrit l’œuvre dans la tradition naturaliste, dans le sillage du Réalisme de Courbet.

Formé dans l’atelier d’Alexandre Cabanel, Debat-Ponsan expose au Salon des artistes français dès 1873, obtenant récompenses et honneurs. En 1898, il prend parti pour le capitaine Dreyfus injustement accusé de trahison. Cette position politique entraîne une rupture totale avec sa famille et sa clientèle. Il se réfugie alors en Touraine, continuant à peindre portraits et paysages, éloigné des tendances nouvelles de la peinture.

Dépôt du Centre national des arts plastiques, 1886
Inv. 919

Salle 14 :
Hugo-Frédérick SALMSON

Stockholm, 1843 – Lund, 1894

La Petite Glaneuse

1884
Huile sur toile

Assise au milieu d’un champ avec un bouquet d’épis de blé à ses côtés, la petite glaneuse apparaît fatiguée, le regard absent. La position accablée de la jeune fille, les épaules abaissées et les jambes légèrement croisées, renforce ce sentiment d’épuisement. La ligne d’horizon particulièrement haute permet à l’artiste de jouer sur l’immensité du champ fauché rappelant ainsi la difficulté de sa tâche. Le réalisme du portrait – les vêtements de travail abîmés, les bottes sales – et le thème inscrivent cette œuvre dans la tendance naturaliste qui se développe au milieu du 19^e siècle.

Après des études à l’École des Beaux-Arts de Stockholm, Hugo-Frédérick Salmson s’installe à Paris, où se déroule avec succès toute sa carrière. À partir de 1877, il s’oriente vers la représentation de la vie rurale. En 1879, l’État lui achète un tableau pour le musée du Luxembourg alors très fermé aux artistes étrangers.

Achat à l’artiste Salon, 1886
Inv. 1168

Salle 15 :
ANONYME

Portrait de Théophile et Félicité Fernig

19^e siècle
Huile sur toile

Nées en 1770 et 1775 près de Valenciennes, Félicité et Théophile Fernig ont tout des héroïnes romantiques que le 19^e siècle s’est plu à glorifier. Telles deux amazones, si l’on en croit Lamartine, les jeunes sœurs Fernig s’engagent en 1792 dans la garde nationale. Habillées de vêtements masculins et faisant fi de l’autorité paternelle, elles s’opposent aux soldats autrichiens qui menacent alors la nouvelle société française. Échafaudé sans doute, le récit post-révolutionnaire en fait des combattantes éprises des Lumières et de liberté. Non identifié, l’artiste les représente, comme le sont les officiers, dressées devant l’horizon, vêtues en citoyens, le regard assuré. La main de l’une appuyée sur l’épaule de l’autre est le symbole de leurs liens inébranlables, l’union du sang comme des convictions.

Dépôt du Musée des Beaux-Arts de Valenciennes, 2022
Inv. D.2022.1.11.P

Salle 15 :
Joan MITCHELL

Chicago (États-Unis), 1925 – Paris, 1992

No Daisies [Pas de marguerites]

1980
Huile sur toile

« Je peins souvent la nuit mais je n’ai rien à voir avec la nuit. J’aime la lumière », écrivait Joan Mitchell. No Daisies, dont le titre évoque un poème sombre, pourrait bien être un paysage à l’heure incertaine, quand sur un ciel bleu cobalt se détachent, comme à contre-jour, les grandes hachures noires de la végétation. Aube ou crépuscule ? Espoir ou désespoir ? Mise en regard des grandes peintures de bataille et des désastres de la guerre, cette peinture renvoie, de façon métaphorique, aux zones d’ombre de l’histoire. Les marguerites qui se ferment la nuit acquièrent ainsi la force du signe, du présage.

En 1979, Mitchell vient de se séparer de son compagnon, le peintre Jean-Paul Riopelle, qui partageait sa vie entre la France et le Québec. La peinture liquide, jetée rapidement sur la toile, défait les repères et s’impose comme une impression, une sensation ou une émotion.

Dépôt du Musée national d’art moderne/Centre de création industrielle, Centre Pompidou, 1996
Inv. AM 1995-170

Salle 16 :
Pierre BOYER

Paris, 1805 – Ben Aiech (Tunisie), 1933

Le soir : Forêt de Paimpont

Vers 1905
Huile sur carton

Ce paysage aux nuances rougeoyantes représente la forêt de Paimpont au coucher du soleil. Située au sud-ouest de Rennes, elle est souvent identifiée à la mythique forêt de Brocéliande. Réputé enchanté, ce lieu est intimement lié à la légende arthurienne. La forêt est sensée abriter une grande partie de la faune surnaturelle bretonne comme des fées et des korrigans.

Pierre Boyer, son auteur, après sa formation auprès du peintre Alfred Roll, voyage dans toute l’Europe et vit un temps en Bretagne où il peint régulièrement des paysages. Il s’installe après la Première Guerre mondiale en Tunisie où il fonde en 1923 le Centre d’enseignement d’art de Tunis.

Achat, 1906
Inv. 830

Salle 17 :
Marie Guillaume Charles LE ROUX

Nantes, 1814 – Nantes, 1895

Bords de la Loire au printemps, au moment de la pleine mer, effet d’orage

1857
Huile sur toile

Représenté depuis la surface de l’eau, ce paysage s’organise autour de quelques bateaux disposés au milieu du plan d’eau. Les arbres, encadrant le fleuve, viennent contrebalancer la forte horizontalité des lignes de composition. La place prédominante du ciel orageux dramatise la scène.

Paysagiste, issu d’une famille aisée, Marie-Guillaume-Charles Le Roux a eu tout le loisir de se consacrer à sa vocation. Élève de Corot, proche de l’École de Barbizon, il se spécialise dans les vues de la campagne nantaise.

Achat à l’artiste Salon, 1857
Inv. 1077

Salle 17 :
Pierre SOULAGES

Rodez, 1919

Peinture 92 x 73 cm, 13 juin 1950

1950
Huile sur toile

Cette œuvre témoigne des recherches de Pierre Soulages autour du noir et du clair-obscur. L’ensemble sombre du tableau est illuminé par quelques touches plus claires qui semblent irradier depuis le fond de la toile. La composition est équilibrée, au centre, par la répétition de lignes horizontales. De nombreux tracés noirs y prennent appui pour se projeter au-delà des limites de l’œuvre. Cet agencement rappelle l’attachement de l’artiste à la structure des arbres.

La vocation artistique de Soulages s’est confirmée, quand il était lycéen à Rodez, lors d’une visite de l’abbatiale Sainte-Foy de Conques. Mais c’est après la guerre qu’il se consacre entièrement à la peinture abstraite. En 1951, il rejoint la galerie Louis Carré qui représente alors les artistes de l’abstraction gestuelle. Gildas Fardel y achète en 1951 le tableau avant d’en faire don au musée sept ans plus tard.

Don Gildas Fardel, 1958
Inv. 958.7.6.P

Salle 18 :
Ludwig CYLKOW

Varsovie (Pologne), 1880 – Paris, 1940

La Baie d’Audierne le soir

1920
Huile sur toile

Le jour touche à sa fin. À l’horizon, le ciel et la mer se confondent. Les nuages, immenses, se reflètent sur le sable balayé par les vagues. Seul un point de lumière brille au loin. « Le ciel, comme l’eau, d’ailleurs, est l’élément symbolique qui reflète nos états d’âme, toute notre vie intime ; n’est-il pas un peu le miroir de ce qui se passe en nous de plus secret, de plus indéfinissable ? », interroge Ludwig Cylkow. La toile décline les bleus et les gris, à la limite du monochrome, « magistrale harmonie des forces, des couleurs et des sons », ajoute-il.

Après ses études à l’Académie de Cracovie, Cylkow s’installe à Paris. Il étudie d’abord à l’Académie Julian. Vers 1905, il s’établit à Saint-Jean-du-Doigt, dans le Finistère, où il peint la mer déchaînée, les couchers de soleil et les levers de lune sur les eaux. Le Musée d’arts de Nantes est la première institution publique à acquérir une de ses œuvres.

Achat à l’artiste, 1920
Inv. 1975

Salle 19 :
Camille PISSARRO

Charlotte-Amélie (États-Unis), 1830 – Paris, 1903

Chemin montant à Osny (Val d’Oise)

1883
Huile sur toile

Camille Pissarro peint ici une scène de vie quotidienne. Ce paysage rural, traversé par une route sinueuse bordée d’un hameau, est en réalité une vue du village où il réside depuis un an. Un homme et une femme s’apprêtent à se croiser au centre du chemin qui prend l’apparence d’un long ruban rose. De part et d’autre, les chaumières observées à contre-jour sont résumées par quelques masses aux ombres mauves. La palette chromatique distingue le registre céleste, dominé par des tons froids, gris et bleutés, du registre terrestre rehaussé de tons verts vifs et printaniers.

L’année 1883 est charnière dans la carrière de l’artiste : alors que la galerie Durand-Ruel lui consacre une exposition personnelle, il tente de se démarquer des techniques impressionnistes par une simplification des formes.

Dépôt du Musée des Beaux-arts de Valenciennes, 2022
Inv. D.2022.1.21.P

Salle 19 :
Émile BERNARD

Lille, 1868 – Paris, 1941

Nus dans un paysage

1890
Huile sur toile

Au premier plan, deux femmes nues, l’une assise et l’autre allongée dans l’herbe, se reposent devant une prairie verte animée par trois grands arbres. Au centre, deux silhouettes vêtues de longs manteaux sont réduites à l’essentiel. Dans les années 1880, Émile Bernard développe avec Paul Gauguin une nouvelle esthétique baptisée « synthétisme », influencée par Paul Cézanne et ses paysages aux lignes géométriques. Si les figures évanescentes et sans visage qui habitent la toile répondent aux préoccupations synthétiques de l’artiste, la construction simplifiée du paysage, le traitement pictural des arbres par petites touches, ainsi que le placement des figures nues au premier plan, rappellent les œuvres de Cézanne.

Cette œuvre, réalisée deux ans après la rencontre entre Bernard et Gauguin, s’inscrit pleinement dans une continuité des productions de l’École de Pont-Aven.

Dépôt du Musée des Beaux-arts de Valenciennes, 2022
Inv. D.2022.1.31.P

Salle 19 :
Albert MARQUET

Bordeaux, 1875 – Paris, 1947

La Seine à Paris

Sans date
Huile sur toile

Depuis son appartement parisien, Albert Marquet regarde la Seine. Dans la série de vues surplombant le fleuve qu’il débute en 1905, le peintre conserve toujours la même composition : la diagonale marque le flux du courant, auquel répond la circulation des automobiles, la ligne horizontale des toits marquant l’horizon. Au loin se dessine la tour du 36 quai des Orfèvres, puis la silhouette de la cathédrale Notre-Dame. Marquet apprécie les temps brumeux qui entourent les édifices de gris cotonneux, estompent les détails et rendent la ville fantomatique.

Marquet, associé aux « fauves » depuis le Salon d’Automne de 1905, privilégie une palette réaliste aux valeurs nuancées plutôt que des teintes violentes et des contrastes exacerbés . Cette position singulière au sein du fauvisme se rapproche de celle de son ami Raoul Dufy, qu’il rejoint notamment au Havre en 1906 et auprès duquel il observe la vie depuis la fenêtre de leur chambre d’hôtel ou du balcon d’un café.

Achat à l’artiste, 1934
Inv. 2156

Salle 23 :
Marc CHAGALL

Vitebsk, 1887 – Saint-Paul de Vence, 1985

Obsession

1943
Huile sur toile

Dans un tourbillonnement de rouges vifs, un Christ vert, un chandelier, un dormeur, un charriot tiré par un cheval bleu s’ordonnent autour d’une maison en flammes. Des soldats sont visibles à l’arrière-plan. Cette scène de chaos est inspirée de faits réels qui se produisent dans le village natal de l’artiste, à Vitebsk en Biélorussie, pendant la Seconde Guerre mondiale.

Installé à Paris depuis 1923, Marc Chagall fuit la France pour les États-Unis de 1941 à 1948.

Il réalise alors une série de tableaux très symboliques où sont évoquées les souffrances du peuple juif.

Marc Chagall séjourne pour la première fois à Paris entre 1910 et 1914, où il rencontre les principaux acteurs du cubisme. Il travaille les années suivantes en Russie et affirme son style si particulier où l’imaginaire a une place prépondérante. Après le conflit mondial, son œuvre bénéficie d’une reconnaissance internationale.

Dation, 1988
Inv. AM 1988-76
Dépôt du Musée national d’art moderne / Centre de création industrielle, Centre Pompidou, 1990
Inv. D.990.1.1.P

Salle 25 :
Jesús Rafael SOTO

Ciudad Bolivar (Venezuela), 1923 – Paris, 2005

Sans titre

1971
Huile et encre de Chine sur bois, tiges de métal et fils de nylon

Tableau ou sculpture ? Ce relief de bois, peint en blanc, est barré au fond d’une bande noire striée de fines lignes blanches peintes à la main à l’aide d’une règle. Devant, suspendus par des fils de nylon transparents, des fils de fer noirs, pliés, dessinent des lignes souples. Les mouvements hasardeux de ces tiges masquent puis dévoilent tour à tour la trame du fond, créant ainsi une perturbation optique, une sensation de vibration. Le regardeur, par chacun de ses déplacements, modifie cette œuvre qui est perpétuellement en train de se faire.

Cette œuvre appartient à l’art cinétique dont l’artiste vénézuélien Jesús Soto est l’un des représentants majeurs. Elle est caractéristique de la série des « Écritures » que le peintre débute en 1958 et qu’il continue à explorer toute sa vie à des échelles différentes.

Don Jean et Suzanne Gorin, 1978
Inv. 978.5.1.R